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RR · ART | 安尼施·卡普尔:现象级国际展览的到来

  • RobbReport

             

享有国际盛誉的英国艺术家、
“特纳奖”得主安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)
大型展览于近日在深圳开展,
他的公共艺术作品遍布世界,
甚至成为了许多城市的地标。

本次展览也是安尼施·卡普尔在中国华南地区的首展。




安尼施·卡普尔

Anish Kapoor


安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买,现工作居住于伦敦。他先后在伦敦弘赛艺术学院(1973-1977) 和切尔西艺术学院 (1977-1978) 就读。作为世界上最多产和最受尊敬的当代艺术家之⼀,卡普尔的创作根植于古印度哲学思想,将东方⽂化的精神内核与⻄⽅艺术观念熔铸⼀炉。他的许多作品介⼊不同的城市和⽂化空间,折射和反射着周边的景象,但又构建出崭新奇异的景观。 


Portrait by George Darrell


他是国际顶级的在世雕塑艺术家,是购买了“最黑的黑”在艺术领域专利的当代艺术大拿,并在巴黎大皇宫、伦敦肯⾟顿公园、纽约洛克菲中心、芝加哥千禧公园等世界名胜之地展出作品 。其作品《云⻔》有超过2亿观众浏览;展览北京站参观人数约70万人,累计宣传覆盖数约1.6亿。 


《云门》

Cloud Gate, 2004

10×20×12.8 m

Millennium Park, Chicago

Photograph: Walter Mitchell


他近期的个展包括:塞拉维斯博物馆,葡萄牙波尔图 (2018);“沉降”,公共艺术基金,布鲁克林大桥公园1号码头,美国纽约 (2017);纪念公园,阿根廷布宜诺斯艾利斯 (2017);MAST基金会,意大利博洛尼亚 (2017);当代艺术大学博物馆,墨西哥墨西哥城 (2016);拉土雷特修道院,法国里昂 (2015);法国凡尔赛宫 (2015);俄罗斯莫斯科犹太博物馆及文化中心 (2015) 等。


Anish Kapoor

Left: Concave Mirror (Square)

Stainless steel 

150x150x50 cm

Right: Tsunami, 2018

Stainless steel

365×410×340 cm


卡普尔曾于1990年代表英国参加第44届威尼斯双年展,并荣膺“Premio Duemila新秀艺术家奖”,并于翌年成为“特纳奖”得主。其大型公共艺术项目包括:《马西亚斯》,伦敦泰特美术馆 (2001)、《云门》,芝加哥千禧公园 (2004)、《圣地》,英国米尔德斯堡 (2010)、《利维坦》,法国巴黎大皇宫 (2011)、《轨道》,伦敦奥林匹克公园 (2012),以及在日本的世界首个充气音乐厅《新方舟》(2013) 等。


《利维坦》,安尼施·卡普尔,
33.6x99.89x72.23m,2011年,P.V.C,
摄影:Dave Morgan。

©Anish Kapoor. 图片版权所有, 2019


安尼施·卡普尔曾在2013年于柏林的马丁· 格罗皮乌斯博物馆展出《致心爱太阳的交响乐》(2013),此次将在美术馆大厅以崭新的面貌迎接观众。血红色的蜡质砖块从几个上升的传送带的末端戏剧化地坠落至一片同样材质的聚合物中,一个悬浮着的巨大红色太阳注视着这个机械化的、毫无人为因素的场景。艺术家的手被一个看似自动的机器替代了,因而观看者可以更为直接地感受这件作品并获得一个主观且深刻的体验。卡普尔不仅给观者呈现了令人着迷的生物形态设计,并一同邀请他们通过侧面隐蔽的门进入作品内部,探索装置内部与外部之间的几何空间关系。鲜红的洞被神秘地连接在了一起,形成了一张关于躯体、存在与信仰的网。


《天空之镜》

Sky Mirror, 2006

Stainless steel

Diametre 10m

Photograph: Tim Mitchell


除了这些大型装置作品外,卡普尔还将展出过去几十年的艺术实践中重要公共项目作品的模型,包括《云门》(2004)、《轨道》(2010)、《南岸中心》(2001)、《地铁站,蒙特圣安杰洛,那不勒斯》(1999-2002)以及《伦纳德街模型》。《S曲线》是两片大型不锈钢无缝连接形成的“S”形雕塑,而《C曲线》则是一整片巨大的弧形不锈钢。两件艺术品两侧的凸面与凹面,则分别直映与倒映出周围的景象。围绕着这些作品的将是另一组卡普尔的重要不锈钢雕塑作品,包括《斯塔夫》(2013)、《非物体(尖顶)》(2008)、《非物体(门)》(2008)。这些作品皆呈现了颠倒的映象,将观众融于周边的建筑与环境中,挑战观者的感知体验。


我的红色家园,2003

蜡、油漆、铁制臂、发动机,直径 12 米

Diameter 12m

图片来源©Waitetc_等等


展览现场

©️深圳市当代艺术与城市规划馆



精彩作品落地深圳


本次安尼施·卡普尔深圳个展,展出艺术家横跨近四十年的代表之作,涵盖大型装置、雕塑、建筑模型等作品,也是安尼施·卡普尔首次在美术馆集中展示其绘画作品。


展览现场

©️深圳市当代艺术与城市规划馆


卡普尔对颜料的运用是其许多开创性作品的基础,并凭借富有创新性的颜料系列《1000个名字》(1979-1982)名声鹊起。这个系列延续此系列的其他颜料雕塑作品,包括多形多色的《反射红色的一个私密部分》(1981)也出现在此次的展览中,绚烂多姿的作品、不同的形状与突起迷惑着观者的双眼。




展览现场

©️深圳市当代艺术与城市规划馆


“S曲线”由两⽚⼤的不锈钢⽆缝连接⽽成。⼀边被卷成凹⾯,另⼀边被做成凸⾯,形成字⺟“S”的形状。最引⼈注⽬的是每次反射⾏为的差异——凹⾯将图像颠倒,⽽凸⾯保持直⽴。这种有趣的扭曲抓住了交替的现实。最引⼈注⽬的是每次反射⾏为的差异—凹⾯将图像颠倒,⽽凸⾯保持直⽴。


S曲线,2006

不锈钢,216.5 x 975.4 x 121.9 cm

图片来源©Waitetc_等等


卡普尔的颜料作品探讨了形式与感知的关系。“反映红色的一个亲密部分”,五种不可描述的形式从它们自己的粉末状颜料的光环中浮现出来。它们的形状无法用具体物体进行解释。卡普尔利用了一个事实,即一个物体,只有在空间和材料的边界上才能理解。这些作品似乎是由颜料制成的,然而它们原型形式的神秘结构无视重力的影响。


反映出红色的一部分,1981

混合材料和色素,200 x 800 x 800 cm

图片来源©Waitetc_等等


安尼施·卡普尔在1985年开始制作“虚空”的作品,跟随他的开创性系列“1000个名字”。墙壁雕塑延续了卡普尔对空间和感知的探索,使⽤颜料的语⾔来增强观众对深度的理解。“1000个名字”的亮⾊是在房间⾥⼤声呼喊,与此不同的是,“虚空”的深⾊调吸收光线如此彻底,以⾄于看起来会产⽣过度的⿊暗。空洞的⼒量是它创造⼀种没有空洞的⽆限感的能⼒。空洞没有通向未被占据的空间,⽽是充满了有形的⿊暗。从侧⾯看,“虚空”看起来像⼀个安装在墙上的宽敞的碗。当从正⾯⾯对时,形体的阴影内部吸收任何光线,看起来好像它是由⿊⾊颜料形成的,⽽实际上它被与外部相同的蓝⾊所覆盖。


虚空,1989

玻璃钢,沙子和色素

200 x 200 x 152.5 cm

图片来源©Waitetc_等等


“⽆物(⻔)”是⼀个巨⼤的不锈钢⻓⽅体,每个⾯都是凹⾯镜,可以扭曲和放⼤反射的环境。雕塑的⼈体⽐例和垂直⽅向吸引观众⾛近它,直⾯他们的⾃我。标题暗示了作品的卓越品质,将观众带⼊了⼀个新的空间。卡普尔教导观众不要简单地看着物体,⽽是要透过它看,超越它。通过遇到我们⾃⼰的变形反射,作品邀请我们有⼀个存在的体验。“⽆物(⻔)”是⼀个事件——依赖于它的现象学环境,作品提供了独特⽽深刻的⼼理体验。


非物体(门)2008

不锈钢,281.3 x 118.1 x 118.1 cm

图片来源©Waitetc_等等


安尼施·卡普尔的凹⾯镜戏弄并测试了空间感知的边界。弯曲的铝板在观众和作品之间投射出⼀个聚焦的图像。从远处看,漆⾯内的反射图像倒扣着,暗示着另⼀种感知现实的可能性。与现实不⼀致的反射暗示了镜⼦中包含的⽆限和可替代的空间,将它捕捉到的⽣命悬置在时空的边缘。卡普尔的“镜”以其鲜艳的颜⾊在房间⾥展现,但其⾏为超出了表⾯和物体的界限。


镜子(白兰地酒色 / 糖果紫色)

2013,铝和生漆 

222 x 222 x 47 cm

图片来源©Waitetc_等等

 

“⽆题”2013是⼀个巨⼤的凹形盘⼦,由⾼度抛光的不锈钢六边形碎⽚组成。安装在墙上,作品与观众和周围空间互动。凹度的作⽤是将反射图像的焦点投射到镜⼦平⾯的前⾯,激活观察者和作品之间的空间。反射与现实不⼀致,暗示着镜⼦⾥有⼀个⽆限的、可供选择的空间。在形⽽上学⽭盾的驱动下,镜⼦质疑⼀个⼈感知的稳定性。像素化效果复制和分割了反射的图像,增强了交替空间现实的想象可能性。就像⾬⽔落在⽔⾯上⼀样,反射⾃然分散成随机的混乱。当好奇⼼的吸引⼒拉近观众的距离时,他们接管了视觉体验,陶醉于⾃⼰的形体在看似⽆限的空间中的扭曲。


无题,2013

不锈钢和树脂

220 x 222 x 40.5 cm

图片来源©Waitetc_等等 


“镜⾯发光(红⾊)”,是⼀个⼤的凹⾯盘,由⾼度抛光的不锈钢制成。作品⾯向墙壁的凸⾯涂有⼀层均匀的红漆。强烈的红⾊反射在墙上,导致作品背后散发出名义上的“光芒”。颜⾊的光环让⼈想起卡普尔的开创性系列“1000个名字”,其中原型形式从颜料池中出现。这些作品似乎正在成为典型的卡普尔作品,它们似乎是⾃愿进⼊太空的。从前⾯看,“镜⾯发光”成为进⼊空间的⼊⼝,当从侧⾯看时,飘渺的红⾊辉光进⼀步激发了观察者对物体的空间感知。从作品背后放射出的⽆形的⾊彩使物体成为⼀种光源。卡普尔⽤体验⾮物质的感觉混淆了与空间物体的相遇。安装在墙上,镜⾯与观众和周围空间相互作⽤。凹度的作⽤是将反射图像的焦点投射到镜⼦平⾯的前⾯,激活观察者和作品之间的空间。与现实不⼀致的倒影暗示了镜⼦中包含的⽆限和可替代空间的虚构。


凹凸透镜(正方形)

2019,不锈钢

150 x 150 x 50 cm

图片来源©Waitetc_等等


光环,2009

不锈钢,220 x 220 x 44.5 cm

图片来源©Waitetc_等等


在这幅由安尼施·卡普尔创作的杰作中,形式由内⽽外,⾊彩似乎从画布之外浮现出来,提供了惊奇和崇⾼的时刻。这幅抽象画由⼀层层油画组成,⽤浓墨重彩的笔触描绘,⽤薄薄的薄纱覆盖,呈现出⼀种有机的梦境,旨在深⼊挖掘⾃我。帆布本身由⼀个原始的⽊制框架镶边,卡普尔在框架上展开了⼀层薄纱。这⾥的⾯料既⽀持⼜遮蔽了从深红⾊到深⿊⾊勃⾉第的鲜艳⾊彩。这些绘画性的印象既位于绘画的表⾯,同时⼜从多孔的绞线下向前推进,创造出⼀个有纹理丰富的笔触和⾊彩的深层宇宙。


看见,2018

硅胶和纱布,305 x 213 x 30 cm

图片来源©Waitetc_等等





更多作品赏析



无题,1993,混合材料和色素

189.5 x 76.5 x 166 cm

图片来源©Waitetc_等等


无题,2018

布面硅胶和 PVC

305 x 213 x 25 cm

图片来源©Waitetc_等等


狭板,2013,不锈钢,368 x 218 x 100 cm

图片来源©Waitetc_等等


无题,2016

硅胶、玻璃钢和纱布

305 x 215 x 10 cm

图片来源©Waitetc_等等


山堆,2018

硅胶,颜料,纱布

305 x 213 x 71 cm

图片来源©Waitetc_等等




在实践中持续探讨

重构城市的无限可能


深圳市当代艺术与城市规划馆馆长:颜为昕(左)

对话

艺术家:安尼施 · 卡普尔(右)



中国有句老话,春天来了,万物生长,一切都会好起来,所以我们在春天,让这个展览像春天一样开始万物复苏,一切都会好起来。

我们现在谈论的正是一个万物更新的主题,是所有人类共同努力的重要部分,也是全人类跨文化的共享概念。



我相信在这个特殊的时期,这个展览的开幕,对于这个城市,包括对于这一片地域都有特别重要的影响,尤其是对两馆,这是我们呈现的第一个国际艺术家的展览。我们对这个展览充满期待。

首先我非常地遗憾,这次我不能亲自去深圳,亲自去看一看我们展览的空间,所以我在工作室还原了一个详尽的展览空间模型。通过这个模型去理解我们如何让这个展览发生。然后去思考如何在我们这个空间更好地展现作品的价值。我也希望能够以一个最完美的方式,在两馆里面呈现我们的展览。我对于能够参与这次展览感到非常荣幸,并希望能够把一个涉及形式广泛、包含丰富内容的艺术展览带给深圳这座城市,也带给中国的观众,以一种非常综合的呈现方式,让中国的当代观众去深入地理解当代艺术。



我相信在未来您有机会能再一次来到两馆,再次来到深圳,亲身再感受一下我们场馆对于这个展览,以及深圳这座城市的市民对于当代艺术的热情和态度。在本次展览中,您呈现了大量的红色绘画,我觉得红色特别有意思,也希望你可以和我们分享这次展览的一个策划概念,这次选择的作品和空间之间的关系为何?这次的作品也有大量的红色主题,红色对您来说代表了什么,这次展出的大量红色绘画、蜡的作品和不锈钢作品之间又有没有什么特别的意义?

这次展览主要有5组作品。当观众进入展厅的时候,我们看到的是一组由色粉所做的作品,是我比较早期的作品,大概35年前40年前的创作。这件作品如同从大地里面突然浮现出来一样,像我们生活中似曾相识的物体,也像一种宗教的仪式。红色联系着我们的身体,关乎我们的血液。


第二组作品是关于深沉的暗蓝色。它们是一组“虚无空洞”的物体。我想表达的是一种理念,就是所有的我们看到的世间的物体都是既有物理形式,又没有物理形式,就像是我们生活的现实一样。它既有物理存在,又可以称作“非物质”。我对这样的想法十分感兴趣,这个世界既存在着物理现实,又存在着非物理的现实。比如说我们人,我们既有一个肉体的身体,同时我们闭上眼睛,能够内观的时候,我们身体内部又另有一个空间。我对这样的空间很感兴趣,它既是红色的,同时也是黑色的。


第三件作品叫做《我的红色家园》。它是由大约25吨重的、红色的、由蜡制的创作。它有一个金属的手臂,在缓慢地不间断地画一个圆。这种不间断地旋转周而复始,如同某种魔法,或如同一种宗教的仪式,让我们所有人都去关注这些想法:我们从哪里来?我们到哪里去?这个世界的开始是什么样的?这个世界的终结是什么样的?在我们出生之前我们在哪里?在我们去世之后我们又去了哪里?——这些是人类永恒的疑问。他们同时涉及宗教,同时也可以世俗。在《我的红色家园》四周的作品是我的第四部分作品,也就是我的绘画。这些绘画作品也是红色的,是联通我们身体内部物质的一系列存在。


那么接下来我们到第五部分,第五部分是一组和之前作品完全不一样的镜面作品。它们是完全反光的。这些镜面作品的制作是非常精密的,它们大部分都是一些凹面镜。在镜子中,你所看到的这个世界都是颠倒的,方位是上下相反的,它也意味着一种“虚无与空洞”,那么当我们去看待物质世界的时候,它是具有欺骗性的。物质的存在是相对的,这也是我的整个作品或者我的创作的一个核心的理念。我想思考物质在这个世间的存在究竟是如何存在的,那么他们在一个充满物质的世界里面,这些物质是如何环绕在我们周围而存在的。



我很期待在两馆里见到它们。实际上,我们中的大多数人是通过您的雕塑和装置来了解您的艺术。但是现在您也展出许多架上绘画。我的问题是,绘画在你的艺术系统里或者在创作中意味着什么?对于您来说绘画和雕塑之间的关系又是什么?

从我早期的作品来看,我的创作一直是介于两种存在之间,一种创作是基于平坦物体表面、绘画的表面,去探索绘画媒介里的空间,和空间中的绘画物体。我认为绘画是一种对于所谓的真实世界的一种幻想,而我所创作的这些物品,它们是存在于幻想与现实之间的。比如说我这些蜡制作品,它们是一种非常奇怪的物质,《我的红色家园》是由约25吨的油彩颜料组成的,一方面它确实是25吨实实在在的物质存在,另一方面它又是一种幻想,比如说我们人类观察颜色的时候,我们永远不可能把它看作一个纯粹的物质,他永远都受制于我们心理的影响和映射,而我所感兴趣的就是基于探索其中更深远的关系。在我最新的作品中,我做了很多有关宇宙中最深的黑色颜料作品。这个黑色能够吸收周围的环境之中98%的光。在此次展览中,有一种非常深的蓝色的作品,也是类似的概念,去创造一种既是物体又是非物体的空洞。我们可以说,它是绘画作品的对立一面,我们一般用色彩去创造绘画,而空洞这件作品却通过颜色将它的物理存在移除了。我认为无论是中国的哲学还是我的根源,印度哲学,我们都能够去理解这样一个概念,就是这个世界是一个虚幻的世界,很多看起来真实的东西并不真实,很多听起来虚构荒诞的东西反而更加的真实。我想通过这种镜面作品所表达的想法也是类似的。如果我们去追溯这种镜面的历史,其实凸面镜在历史上很多,比如中国史前史上就有很多的镜面是这种凸面镜。凹面镜则是随着科技的进步在16世纪之后才出现的。凹面镜非常奇怪,它的灯光折射很奇怪,焦点也很奇怪,它能把整个世界颠倒过来,创造出空间里的独特关系。


那么,回到您这个问题,关于绘画本身,我把我的绘画作品看作是绘画出来的物体,而我在这些物体的表面盖上了一层帷幔。我真正想做的是通过掩盖,从而去揭示一种内在。这些创作是关于内在和外在的一种混杂,关乎于内在存在和外在存在的物体。在这些绘画作品中就体现了上述概念,有些作品上面覆盖了一种塑料PVC制作成的外罩,让人们可以从外往里观看,如同通过一扇窗户一般。



当我第一次看到您的镜面的作品,我感受到了色彩之于光的折射。绘画也是如此。我相信很多观众看到你的作品后,都能够重新映射跟折射自己的内心世界。回到下一个问题,两馆是世界上第一个将当代艺术跟城市规划化为同一个载体的的场馆。公共艺术对我们来说极为重要,我们知道您曾为许多城市创作过公共艺术作品和大型雕塑,这些作品大多都屹立于城市之中,作品与这个城市一同的成长。那么我们这次也展出很多这样的雕塑模型,是在城市公共空间里的您的创作尝试。所以我想向您了解您在创作公共艺术作品和城市雕塑的时候,是如何思考作品在不同城市、不同场域条件下的空间与人之间关系?对您来说公共艺术最重要的核心意义为何?

在这样一个后现代时代里面,公共空间我认为是一个非常混杂的存在,同时我认为,它是极为重要的存在,它带给我们一种公民的意识,带给我们一种归属感,带给我们一种共享的意义。那么在世界各国的首都里面,你都能看到这种公共空间有很多雕塑或者装置作品。它们代表这个国家的,一些国家主流的民族主义的一些意义和概念。但是我想说的是,艺术家的思维方式是不一样的,艺术家的艺术不是关于国家主义或者民族主义,我们想其探讨的是共享的社群存在。我们如何将这样的一件艺术作品或这样一个物品放置在一个公共的空间之中,不仅仅是作为一种装饰,而是有一种更深刻的意义在里面。那么,我们所有人都处于天地之间,仰可见天,脚踏实地。我们在这天地之间所处的位置究竟是什么?让我们来举一个例子:比如在芝加哥的千禧公园,我曾创作一件作品叫做云门(2004)。它是一个凸面的物体,形成了一个凹面的内部,由此创造了一个负空间。我在20世纪后期开始制作这个东西,在新世纪初,于千禧公园完成并揭幕。但是在几前年我在去芝加哥的时候,有人告诉我说已经有大约2.5亿人去芝加哥观赏过云门这个作品。这个作品是在自拍这件事变得热门前创作的,而现在却成为了成为人们打卡自拍的物体,我觉得特别有意思。因为我原本做的是一个镜面的作品,原本镜面反射是四周的,比如空间和环境。但此刻通过自拍又反观自身,好像每个人都通过一个自拍去强调自我的存在。那么究竟这些物品对于公共的对话,对于公共的参与意味着什么?对于我们“人”的身份意味着什么?比如说,还是以《云门为例,它是一些巨大的作品,它的制作是精确和完美的,并没有任何焊接和结合点,所以说,它没有向人们揭示出任何物理痕迹,表明这件作品是如何做出来的,因此让人们很难去理解它的尺寸和规模。实际上在我们生活的这个世界,我们永远都是有尺寸概念的。尺寸不仅仅对我们有它的实体存在,是外在的世界与我们身体的连接,那么这一点对于公共雕塑或者公共的艺术而言是至关重要的。我认为公共艺术必须涉及到所有这些更深层次的、人性的问题。



我14年在芝加哥,在您的这件作品下,我也拍了一张自拍照。那一刻,我深刻地感受到个体与母体的关联,像人跟城市一样,人在这个城市当中被承载,而个体又是在一个母体中的映射,及个体母体之间的一种共生关系。


来到下一个问题。我们在一个特别困难的时期,办一场大型国际性展览。面对疫情,全球每一个人都是渺小的。很难想想,我们所拥有的科技和所有手段竟然这么的无助。疫情是否也对您的艺术创作上产生了影响?您怎么看待未来,人与艺术之间之间所发生的变化和新的联系?

这是一个非常有趣、非常悲伤,但也非常现实的世界。尽管我们有看似非常先进的科技,但在疫情面前我们仍然非常的无助。大自然以一种我们没有察觉、没有防备的方式,来剥夺我们自以为习惯的一切。但有时候,我们实际上是故意或者是不愿意去面对这些可能会发生的事情。在过去的二三十年之间,人们一直在谈论可能会爆发一次全球性的疫情,但是到了发生的时候,我们仍然没有做好准备,我们甚至还责备彼此,这是非常糟糕的现实。我想说的是,我所关心的是我们这种内在的心理活动是如何去生发的。有的时候我们很难全面了解一件事情。我,作为一个艺术家,面对现在的这个世界,我无话可说,或者说我没有任何的解决方案,我能够做的事情就是去等待,去聆听,然后接受现实,去不断理解它。在封锁的时间里,我做了一些工作。我利用这段时间尝试去深化我的创作作品。我试图加深这种反思和回顾的过程。也在进一步追问自己,我做的东西为什么是件好作品,而不是浪费时间。自我提问一直是一个重要的环节。我希望我的答案自己出现,但同时我也乐意接受这个问题压根就没有答案,只留有一个过程。这个世界很多时候需要答案,但艺术家极为可贵的一点在于,他可以选择不接受。



非常感谢卡普尔先生的分享,希望您可以在这次采访的最后,寄语深圳的观众。

首先我感到十分荣幸能够受邀来到两馆去做这样的一个展览,对我而言是非常大的荣誉。在深圳这样一个代表未来的城市,无论在中国还是世界,都代表一种向上的动力。在这里办展览是一件非常了不起的事情。我认为深圳是一个非常有眼界的城市,同时具备宜居性和现代感。在这个世界上,文化毫无疑问是至关重要的,它涉及我们如何生活,关乎到我们的身份认同感。无论是外国的文化还是中国的文化,是古老的文化还是现代的文化,这一切都很重要。所以,我再一次邀请你们,诚邀你们怀着一颗开放的心来看这样的一场展览,允许全新的东西,在你的内心生发,我希望这样的一个观展的经历能够让你有所收获。当然我们对一切的答案保持开放,因为这就是艺术本身的意义所在。再一次感谢两馆给我提供这样的一个空间,再一次感谢颜馆长对我的邀请。


展览信息

时间:2021.04.02 - 2021.07.04 (14周)
地点:深圳市当代艺术与城市规划馆 MoCAUP 






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