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RR · FEATURE | 布衣中国下篇:风起东方新时尚

  • RobbReport




中国年轻一代的时装设计师人才辈出,他们新颖的设计正在为亚洲纺织业开创新局面。从精心绘制手稿,到严选材质面料,再到打版制作呈现,在聚光灯闪耀的T台背后,每个环节都经过百思琢磨,一针一线都凝聚心血。依托着底蕴浓厚的中国传统文化,设计师们将其融入到设计中去,也赋予了中国品牌与设计不一样的精髓。在设计邻域吹来一阵别样的设计之风。





面料里的乡愁


从一张图纸到一件成衣,面料在这个过程中扮演的角色至关重要。它是设计师表达自我的语言,也是我们感受一件服装最直观的媒介。当我们讨论起时尚,面料永远是不可剥离的议题。伴随着中国设计力量在国际上渐渐形成声浪,选择本土原材料来实现设计已然成为中国设计师群体的主流趋势。这其中当然有着爱国情怀的驱动,但更多的是一种天时地利人和的选择。



设计与面料密不可分,好的设计能给面料带来不一样的展示效果,而好的面料也会给设计带来新的灵感。中国有着多种历史悠久、工艺极具特色、品质上乘的纺织原料。棉、麻、丝、绒,这些最常见也最受欢迎的天然材料,均在中国有着悠久的历史和优质的原产地。优秀原材料仿佛时尚产业的地基,构成了中国时尚语境的底色,也赋予了本土设计师们丰厚的底蕴与自信。如今,纺织原材料的使用越来越丰富,加工工艺越来越成熟,在传统面料的基础上,涌现了越来越多的新兴面料。层出不穷的新兴材料,从刻板单一到琳琅满目,使得中国在纺织原料的发展留下了浓墨重彩的一笔,为国内设计师们提供了更为多元的选择,也为中国的时装设计带来了底气与自信。


在Judy Hua看来,面料是为设计服务的,但在相同质感和成本的前提下,一定会优先采用中国的面料。中国时尚产业的发展,需要链条上每一个环节的参与,设计师与消费者的每一次选择,都是对中国时尚业的小小支持。擅于“化中国风为无形”的王钰涛,大多数作品都使用了国产面料,但这并非是一种刻意的取舍,而是出于对国产面料的极高认可:“去除一切情感因素,中国的面料也相当优秀。好的东西为什么要拒绝呢?”



除了设计师的个人偏好与市场导向,面料本身也承载了更广阔、深切的人文话题。一些年轻设计师开始在面料与工艺上追本溯源,将那些濒临消失的传统技艺与自身的先锋设计结合起来。一方面,传统材料与工艺为他们提供了宝贵的灵感;另一方面,他们的设计也将传统技艺带入了现代时尚视野之中,为传统工艺的传承与发展带来了可能。



中国设计师与中国面料,已经成为中国时尚产业中两股并驾齐驱的力量。后者是前者的底气,前者在后者的运用与诠释上,比国际时尚奢侈品牌拥有更多的文化优势,从而更好地与中国消费者共鸣与共情。



当我们谈论“中国风”

都在谈些什么?


丝绸之路的打通,增强了东西方之间的贸易往来。当欧洲皇室手捧精美绝伦的纺织物发出惊奇赞叹的同时,也开启了对遥远中国的神往与想象。17世纪,法语词“Chinoiserie”风靡欧洲,它意指中国风情,无数艺术家以此为标签,创作了诸多浪漫主义作品。这种流行一直延续到现代时装领域,中国文化成为西方设计师取之不竭的灵感源泉,几乎所有国际大牌都推出过“中国风”系列时尚单品。





但由于缺乏平视的视角和深入的了解,西方时尚界对中国文化的喜爱,长久以来始终停留在异化和想象的阶段。他们一边迷恋符号堆砌出来的古老东方,一边又对当代中国制造的商品表现出不屑和鄙夷。这种“东方主义”的凝视天然地带有优越感,屏蔽了动态的、真实的中国。这也解释了为什么国际大牌出于创意审美抑或讨好中国市场推出的“中国风”产品,明明使用了中国人熟悉的元素,却又令我们感到别扭和陌生。



也许是时候重新拿回我们对自己文化的阐释权了。只有中国人,才能创作出真正的“中国风”,向世界呈现中国当下的样貌。而这场对“东方主义”的抵抗运动,需要中国设计师与中国制造商的同时在场。换言之,只有设计与制造能力均达到与发达国家势均力敌的水准,我们才有可能进入国际时尚主流话语中,扭转西方对中国的刻板印象。



2018年,在一些老牌国产运动品牌的引领下,“国潮”兴起,大陆市场刮起了前所未有的国货风潮。彩妆、服饰、文具……几乎我们日常消费的方方面面,都能找到与“中国文化”的接口。但被西方时尚语境限制了太久,许多设计依然是符号堆砌、元素挪用,它们延续了对中国文化的刻板印象,不知不觉间与西方视角趋同。如果无法真正将我们的文化精髓融入到现代时尚话语体系中,那么这些作品仍然是他者凝视的产物,中国文化仍然是被定义的符号。


好在新生代设计师们很快察觉到了这一点并加以警惕。所谓新生代,未必均指二十出头的年轻人,但他们一定敏锐、勇敢,多元文化的成长背景令他们对中国文化有着更丰富的理解与体验,并具备良好的审美观与设计基本功。种种因素集于一身,令他们成为动摇西方时尚语境的中坚力量。



这种“动摇”目前看来,并非是摇旗呐喊、疾风暴雨的革命,更像是一种长期蛰伏后的集体惊艳。他们普遍有过在西方时尚领域学习或工作的经验,认同西方时装产业的先进性,“师夷长技以制夷”。他们有着前瞻性思维和全球化视野,能够将自己的文化融入现代时尚体系并且不会产生“排异”反应。他们其中很多人同时在国内外发展业务,对东西方文化和时尚领域都很熟悉,打开了更多维度的市场,以一种高调却并不激进的方式,向世界展现了当下中国的设计能量。



一个几乎有着里程碑意义的例子,大概要数2018年中国设计师FengChen Wang在纽约推出的“Made in China”系列。牛仔夹克、背带裤、白T恤,典型美式服装上醒目地印着“中国制造”。在此之前,“Made in China”带有强烈的贬义色彩,无数好莱坞影视作品都以此作为笑料包袱。FengChen Wang以一种自信且幽默的方式作为回应,把中国时尚从固有的偏见中解放出来。


中国制造业的高度发展也给了设计师更多的底气。有了先进制造业的依托,设计师们的想法不再只是空中楼阁,前卫设计理念与优质工艺相辅相成,诞生了越来越多设计与品质俱佳的品牌。这些时装品牌,用达到甚至超越国际标准的品质在全球赢得了尊重,以原创精神吸引了世界的目光。中国制造终于摆脱了低劣的刻板印象,晋升为中国“质”造。



随着中国经济腾飞而带来的文化自信,新生代设计师还有着他们前辈无法比拟的优势。尤其是那些刚刚成长起来、在欧美求学或工作的中国设计师,他们不再需要在西方他者的凝视下寻找文化认同和身份定义,而是可以基于自身所属的文化进行更纯粹的表达。他们的声音能够传达到不同圈层的人群之中,而不用再被传统西方语境下的时尚规则所困扰。


新世代设计师身上带有强烈的全球化和互联网印记,更加注重作品的个性化表达,而非一开始就肩负起了向西方证明中国力量的沉重使命感。当个性化走在了前面,不再因文化认同而感到焦虑,他们反而摆脱了身份与文化定义的枷锁,让西方时装界注意到了一个丰富多元的当下的中国。



在吕燕身上,你或许能看到这种转变的缩影。很难说早期欧美秀场对她的关注,不带有西方对东方的异化凝视和想象。模特退役后,吕燕成为一名服装设计师,继续活跃在国际时尚舞台。但在东方背景下成长并一度代表东方之美的她,从未在作品中强调过中国的身份与元素。她设计的服装,简约利落,充满浪漫柔美的遐想。相比身份和文化,她更关注女性、自然与生活,正如她的品牌Comme Moi的中文涵义:像我一样。



中国文化可以是水墨丹青、雕龙画凤,也可以是FengChen Wang的炫酷反讽,是吕燕的都市浪漫,它像一个多棱镜,每一位时装设计师都是一个切面,折射出愈发丰富绚烂的光芒。与此同时,西方时装界和媒体也在不断放大和强调中国。这首先得益于中国目前时尚消费第一大国的地位,西方不得不讨好这个潜力巨大的市场。尽管西方仍处于世界时装主导地位,但他们必须承认,随着时代的发展,过去那一套时尚系统已经变得陈腐,与当下文化之间出现了裂痕。他们迫切希望吸纳新鲜的血液,聆听新的声音。而中国,正在给世界带来更开放、更具前瞻性的启示。



时尚绝不是触不可及

吕燕



30岁的时候,名模吕燕萌生了想做自己的服装品牌的想法。“模特都是被别人挑选,而我那时候已经30岁了,想要做自己能够掌控的事情。”


这个想法伴随着儿子的出生而被暂时搁置,又过了三年,把儿子送去了托班之后,吕燕才有时间再次考虑创立品牌的事情。从曾经被广泛讨论的气质独特的名模,到想要做出自己品牌的新人设计师,吕燕发现,有太多的东西需要从零学起。


品牌名COMME  MOI在法语里是“像我一样”的意思,吕燕说,“我不是想让大家学我的穿衣风格,而是像我一样敢于尝试。当初做模特的时候,虽然大家都觉得我长得不好看,但我还是勇敢去尝试、突破自我,去法国打拼,去做自己的品牌。”



那时候整个环境对于年轻的国内设计师并不友好,前几年品牌一直在亏损,到第四年才持平,第五年开始盈利。身边有人劝吕燕放弃,也有人劝她不如放弃原创设计,去“挣快钱”。吕燕自己很坚定:“我从没有因为钱的事情觉得坚持不下去,因为在做品牌之前我就已经做了不少功课,我知道一个品牌想要做好,挣快钱也是可以的,直接把市场扩大十倍并不难。但我想要做一个好的、属于我自己的、有口碑的品牌,所以我在投资和设计上面很舍得花钱,而不是只考虑我的利润是多少。做成好的品牌一定要花三五年的时间,我有这个心理准备。”就是凭着这股勇敢突破的冲劲儿,品牌一点点成形,风格也在慢慢尝试中变得越来越清晰。



吕燕说,这一路走来,品牌不停地给她成就感,也不停地给她挫败感。做了漂亮的衣服会有成就感,做了一场成功的秀会有成就感,被客户赞美会有成就感,但更多的时候,是无力感。人员管理还要学习,想要的布局还没有达到,压力大的时候,吕燕也会失眠掉头发,但只要把情绪发泄出来,在生活里喘口气儿,就又有了冲劲儿。


一直从事时尚行业,但是她对时尚的诠释很简单。“我觉得时尚是大家追求美好的过程,是一种简单的生活方式。比如你爱旅游爱运动,也是很时尚的。”COMME  MOI 做到了第9年,“大女人、有态度、独立自主”的态度也更加清晰,经常有客人跟吕燕说穿上她的衣服就会觉得很“精神”,甚至远远地走过去,就知道这家门店是她的品牌。也有更多的艺人主动选择COMME  MOI,还慢慢和吕燕成为了朋友。



近年来,吕燕花了很多时间去考虑“可持续性”。不仅是设计上的简洁实用,面料选材上选用可持续的环保材料,为消费者传递可持续性的理念,还有整个时装产业的可持续性运作,吕燕说:“我不会为了迅速赚钱开很多代理,我想用可持续性的设计和环保的面料,逐步扩大市场”。



《罗博报告》对话 吕燕

TALK


左:《罗博报告》RR

右:吕燕 



近几年更多人不再追捧大牌,而是会为小众时尚品牌买单,你觉得为什么会有这种趋势?

以前卖的不好,是因为国内设计师都在做他自己喜欢的东西,并没有找到自己的客群定位。现在大家越来越多关注工艺、细节、面料,品牌越来越好,大家选择多了,反而每个人都有自己的一部分客群。还有就是以前大家比较跟风,我们说“外来的和尚好烧香”,这也跟我们建立起内在的自信有关。




相较于欧美时装市场,你认为国内时装品牌在设计和品质上还有哪些提升的空间?

国外的整个产业链相对年轻设计师是比较友好的。这几年咱们国家的整个环境进步了很多,媒体也给予了很多的支持,但是从商业体来说,可能还需要一定的时间。比如现在抄袭的事件还是很多,创造是最难的,迅速抄袭之后生产,以低于你几倍的价格量产,你就没有机会了。年轻设计师想要维权根本没有机会,甚至还会被大企业反诉讼支付巨额赔款,很多年轻设计师遇到这样的情况可能就没法再做下去了。我自己也遇到过很多次这样的事情,最开始的时候我的状态也很糟糕,只能希望有一天国家能有更完善的知识产权保护体系,给予年轻设计师们更多的帮助。




有哪些困难你觉得是中国设计师们普遍面临的?

从起印量、加工厂、订单量,到最重要的零售渠道,每个环节都很艰难。而且年轻设计师想要开自己的独立店也很难,很多商场一听是国内设计师,就给你一个固定的楼层,可能不是符合你品牌定位的。而且品牌运营成本高收益慢,需要有一定的资金来支持。我人生第一桶金是靠模特攒起来的,如果是靠做品牌维持生活,我也觉得我坚持不了这么久。




你认为未来中国时尚产业的发展前景如何?

现在国家经济好了,很多人从小就接触到很多更好的东西,你的创意和想法已经突破了以前的状态,所以可以真正走到前沿。但要形成一定的规模可能还需要时间。我觉得国内有商业体系的大品牌,真的可以和国内年轻设计师合作。年轻设计师也不要好高骛远,可以跟商业大品牌学习,大家一起创造新的品牌价值。比如我最初跟我的合伙人合作的时候,很多人都问我为什么愿意让别人占大股自己占小股,但其实大家的能力都是有限的,都需要学习很多知识,想要成立一个品牌,需要做的东西太多了。这也是为什么我觉得未来想在时尚产业做好,一定是需要所有人联合起来。




让每个人穿出个性主张

杨紫琪



未来,服装不仅承载设计师的意志,也鼓舞穿着者变幻廓形,表达与众不同的主张。中国新锐设计师杨紫琪以现实感与未来感交织的设计,为独立自主的穿着者留足二次创作的空间,诚邀他们亮出勇气、活力与个性。


乐于尝试才有无限可能


杨紫琪是才华横溢的90后中国时装设计师,她一如既往穿着自己设计的黑白罩衣,大大的翻领,漂浅的发色,符合我们对新锐设计师的全部想象。她刚参加2020年度中国国际时装周就崭露头角,斩获2020年度“新锐设计师”大奖,初显其天分与设计实力。她在一个开明的家庭里长大,在米兰的马兰欧尼大学学习服装设计时,父母鼓励她去做任何事,去杂志社当兼职时装编辑、去电影学院学习表演……这些不同的人生体验,让她体会到服装设计“功夫在诗外”的特点。在时尚杂志社,接触到最前沿的国际化时尚潮流,让她领会到从T台到实际生活的距离,而将创意巧妙融入在服装中,不动声色地体现设计表达个性,才是更大的挑战。学习表演让她切身体会互动的乐趣,“其实时装设计相当于导演,穿着者相当于演员,导演要让演员瞬间入戏,她是要去用心体会演员的个性、气质特点的。”



米兰求学期间,杨紫琪尝试多样的服饰设计与制作,她认为 “乐于尝试才有无限可能”。其间有一次男装课程,她本人一开始对男装工艺了解不多,但她喜欢尝试,想要学习更多,就课外单独寻找米兰的男装定制店工匠,将定制男装的几十道工序都学了一遍,从细微的纽扣缝制到打板剪裁,每一个细节她都一丝不苟。在对服装设计热情投入的同时,这样的“课外”尝试还有很多,这帮助她开拓眼界与思维,对她后来创建Comunque Yang空氧品牌,在男装、女装、中性装之间自由游走,创造了条件。 


给穿着者留下二次创作空间


杨紫琪从米兰学成归来,于2017年创立个人品牌Comunque Yang空氧。设计师很快找到了平衡设计与市场的品牌精髓:“既然20-35岁的青年是我们品牌的受众群体,他们大胆又有独特,几乎每个人都有自己的想法。所以我的设计就是让他们参与进来,发挥他们对服装的二次创作。”



杨紫琪认为年轻人在抗疫战斗中表现出来的勇气、善意与有条不紊的组织能力,给了她诸多灵感。同时,年轻人的生活主张与追求也给她启发,从85后到00后,大部分年轻人独立自主、低调却不平庸、对时尚有着独特个性与想法,不盲目跟从潮流。这些特点,杨紫琪作为同龄人都深深认同与理解,她以鲜明的服饰语言,应用在品牌设计上,形成了品牌简约、低调、前卫的风格,同时在细节上又具有独树一帜的个性特征。杨紫琪尝试将复杂的剪裁手法运用在自由拼搭的垂坠面料上,通过纽扣或绳结来联结,这样穿着者可以自由扣结,改变服装的廓形;色彩多集中在黑白灰与卡其色,穿着者也可以搭配其他鲜艳的撞色衣饰,这样,就为穿着者发挥“二次创作”的主动性留下空间。“这就好比一千个人心中有一千个哈姆雷特,服装设计就仿佛复杂鲜活的角色,充满张力,能给予穿着者发挥想象的空间,诠释出他们心目中的那个‘我’。”


打开眼界中国设计更有未来


作为中国新一代设计力量的代表,杨紫琪认为今天的中国本土时装,与十年、二十年前已经截然不同:“我回国发展这些年,眼看着老品牌突破自我,生发新意,而新的原创品牌又层出不穷。中国原先是世界一线品牌最好的代工厂,这说明我们纺织品原料过得硬,还有品控一流的制造商和技术精湛的工人。如今,只要设计师尽可能地打开眼界,与国际一线品牌去竞争,指日可待。”



作为先锋设计师,杨紫琪再次强调开拓眼界的重要。设计师应该走出去,关注各个领域的可持续发展,关注建筑业、艺术品策展业以及环保领域的新趋势。这都会对设计产生深刻影响。Comunque Yang品牌选用的面料主要都是棉,比如新疆的长绒棉。舒适、透气、耐穿的棉质代表健康环保的生活理念,对环境也相当友好。在服装特征上,Comunque Yang品牌选用低调经典的中性色彩,稍微宽绰的版型,可以穿很多年,就会减少大批丢弃服装的行为,减少环境负荷。



作为90后,杨紫琪怀揣满满的责任感:“中国先进制造业在高品质与较低生产成本之间的平衡,让中国时装品牌在国际上也有了竞争力,期待我的努力,未来也能为中国设计争光。”



《罗博报告》对话 杨紫琪

TALK


左:《罗博报告》RR

右:杨紫琪 



作为设计师,应该如何平衡设计与市场的关系?

在学校学习时,年轻设计师多半会从“我的喜好” 出发,去做设计;而一旦创立品牌,就要从“受众的特点”出发,要考虑到目标消费者的职业、气质以及生活方式,对他们的需求做出回应,在此基础上掺入自己的设计特征,才会既有辨识度,又受到市场欢迎。




将历史及文化符号融于时尚创作是今天的潮流,你是怎样做的?

我在已发布的两个服装系列中安排了大量纽扣与绳结,在中国传统文化中,纽扣与绳结代表牵挂与惦念,比如“巧盘诘曲同心纽,附绣回旋锦字诗”,因此我希望穿着者通过这两个系列传递东方人特有的深沉、含蓄、优雅之美,又不失现代人的利落感。




品牌在2021年秋冬推出的“结”系列,有何突出特征?

在全球疫情面前,我试图进一步以“结”为载体,传递人与人之间的牵挂,表达人类是一个命运共同体的主题。为此我将中国盘扣革新与放大,同时用鞋带做扣眼衔接的配件,衔接服装的每一个块面,不仅使剪裁与拼接的块面更为复杂,也突出了运动感与时尚感;此外,绳绣做成的品牌LOGO,也让服装能在工作、休闲、运动之间实现自由切换。




作为先锋设计师,你认为着装与人之间的关系是什么样的?

如果人被着装本身的华丽感所淹没,这种打扮不能算成功。人的骨相与姿态相当于一棵树的主干,而服装是它伸展的枝叶和开出的花朵,也是这棵树的言语表达。成功的打扮应该是不着一言,就可以看见一个人的基本个性,与处事姿态。




如今中国元素风靡全球,你如何看待中国设计力量?

中国时装设计师从小所受到的教育,使我们对中国文化理解得更深。因此,在运用中国元素方面会取其精髓,而不会如西方人那样把红色、龙凤、牡丹等生搬硬套地组合到服装上。我们在运用中国元素时会经过一个明确的“转化”过程,让设计看上去更现代化与未来感。




合适自己的就是最潮流的

华娟



经过长时间艺术熏陶与沉淀的华娟,将更多富有线条张力、色彩冲撞以及情感力量的设计运用到自己的作品之中。因此造就了拥有十分鲜明特色的JUDY HUA品牌,人们总是将华娟的设计概括为一种“建筑主义”风格,其实倒不如说这是另外的一个她。



华娟说起话来,十分的沉着,一顿一句之间刚好给自己留有充分的思考时间。佳句也在这点滴的停顿之间频出。“作品是无法掩饰创作者内心所思所想一览无遗我的作品就是我的审美和养的完整体现,是我个人思想的折射,这一切都来源于自己的艺术功底。”雕塑、绘画、建筑等与艺术相关的领域是她心之所向的爱好,与不同的品牌及各个领域的设计师跨界,产生出层出不穷的创意作品是她坚持依旧的创作理念二者看似毫无关联,却成为其生活与工作之间巧妙的互通,工作亦生活,生活亦工作大概就是如此这般。



服装设计的作品内核实质就是自己生活态度与品位的一种延续,而在华娟筑造的这座时装陈列馆之中,每件艺术作品都是其对其他艺术形式吸收、学习、消解、融合和再造的一个过程。她用自己的设计摆脱原有形式上的束缚,以极简的艺术语言为核心,加之其不断自在的色彩表达,勾画出一件件生动而又充满质感的作品。若是你要问她,什么才是当下的时尚趋势与潮流?“你自己其实就是最潮流的,明白什么是最合适自己的也就是最潮流的。”华娟会不假思索地脱口而出。


中国文化烙印存在于无形


从2009年开始JUDYHUA在华娟的推动之下,尝试着与各类艺术家展开跨界合作,不论是与建筑师周伟合作的《延伸》,还是和周春芽老师合作的《花间记》,再到今年灵感来自《瓦尔登湖》JUDYHUA2021秋冬系列,跨界创造依然成为华娟为JUDYHUA赋予的一种基因,热闹有时,淡然有时,不因“跨界”是否是时尚界风口浪尖的宠儿而改变,只是一心追求自己设计理念的呈现与表达。



这样的态度始终贯穿与华娟的知行之中,就像聊起国潮这样的时下热门的话题,她依然擅长站在别样的角度,通过梳理事物表象的行为,来归纳出属于自己的理解与阐述。“国潮是一种潮流文化,是最能反映当下一种盛行趋势的普世化的符号。我个人认为你自己其实就是最潮流的,明白什么是最合适自己的也就是最潮流的。”“我就是在中国长得的,骨子里就是流淌着中国的血液,在我的设计中不需要一些硬性的东西来标榜我的中国元素,我设计出来的东西它就是有中国文化烙印在其中的。因为我受的教育,我的所思所想所有这一切都会在我的作品之中无形地展现出来。这个是一览无遗的,没有办法掩盖的,所以我觉得自己是没有必要硬性去标榜中国风这样的东西。”



将自己的感知与文化体验沉淀进自己的设计作品之中,这是华娟一向的做法,不为当下的流行而擅自改变。选择用更多的时间打磨自己的技艺与产品,这样的沉淀也让华娟拥有了更多表述的欲望与表达的能力。在其的作品之中,那些展露于无形的艺术感与刚柔并济的质感便是其对“中国风”的一种认知:“我自己认为作为一个设计师来讲,就像欣赏一件艺术品一样,所谓真正的中国元素应该是一种在气质上或者精神上,无意中流露出来的境界,而不是一种符号化的中国特质。其实我们可以把这两者用具象和抽象来比喻,现在的我其实更喜欢简洁抽象的东西。”



历久弥新的设计是一个终极概念的环保


不为追求形式而设计,不为表象的热闹而惊喜,做一切事情都从源头去探索知行合一的可能,在无形之中阐述自己的态度与主张,在设计里表达自己的思考与认知,在二者相互的结合之下便让华娟的作品拥有了一种无形的辨识度:简洁、率性、充满着力量。就像华娟及其团队以时装环保为核心,设计的艺术装置作品“忧伤的病人”一样,在设计原材料环保的同时,华娟将视野更多地放在了设计的可持续之上,在那件装置作品之中,所有的素材都是来自十年前的经典设计作品,比如说衣服是10年前的一件产品,裤子也是,还有在办公室放了多年的瑜伽椅,和一些老物件组合成一个很有趣的艺术装置。



华娟想通过这样的一个装置,让人们更多地关注有质感的设计与历久弥新的时尚,因为在她看来好的设计产品是可以历久弥新的,这是一个终极概念的环保。这样的设计也是其不断追求的一种理念,就像华娟在最开始接受采访时介绍的那样,“越简单的东西,不管是工业设计服装设计还是建筑设计,对于质感的要求会更高。对于我来说,想要通过创造有创意和极好质感的产品,来让人们感受生活的美好。”通过极简的生活与设计,追求更自我与自在的生活是华娟一直以来的设计理想。



《罗博报告》对话 华娟

TALK


左:《罗博报告》RR

右:华娟 



时尚在过去几十年里一直引导着消费社会,现在我们越来越注重环保和实用主义,你认为未来中国时尚产业的发展前景如何?

我觉得环保和实用主义不是相悖的,两者是可以结合的。




相较于欧美时装市场,你认为国内时装品牌在设计和品质上还有哪些提升的空间?

时尚的发源地可以说是法国,整体来讲我们的水准和之前已经有了很大的进步,但肯定还是存在一定的空间去发展的,首先我们要讲的还是整体的一个审美的。




你认为着装与人之间的关系是什么样的?服装对于人来说意味着什么?

其实它是多层次与多维度的,我们可以不单单看服装和人,也可以说它服装和生活、服装和社会,什么是生活什么事社会,在我看来如果没有人这个概念的话,其实后两个概念其实也是不存在的,所以如果单纯讲服装和人,我觉得服装是一个软的雕塑,服装和人的身体是相亲的,我们可以通过服装不同的版型营造一定的空间感,来展现我们对于剪裁的理解,以及设计师想要表达的概念,所以服装是人的一个铠甲,是你在社会中行走的一个标识,人们常说衣如其人,就是常说的穿什么是什么,也就是说你的审美与修养,都可以从你穿的衣服里面展现出来。




你是如何通过服装设计表现生活方式的?

我是一个女装设计师,女性应该是做自己,穿衣服也是为了取悦自己,你只有成为你自己之后,才会有这个能量去承担其他的角色与身份,以及社会责任。我觉得女性应该是为自己穿衣服的,让自己更开心快乐更好。并且我认为真正的性感是不需要通过裸露肌肤来实现这种表达的,因为真正的性感是在你脑子之中的,你的头脑是终极性感的根源。




中国有着诸多品质优秀的棉、丝、麻、绒、革等服装原材质,你是如何利用这些优秀的本土原料,从服装的本原和材质出发向人们展示中国服装文化魅力的?

我不会是因为要展现这些优秀的原材料来做设计的,设计师每一季的灵感来源都是不一样的,我只会根据自己的风格和感触来进行创作。在同样质感和成本的前提下,我肯定会首先采用中国的面料。




中国之造的设计精神

卜柯文



在卜柯文看来,不论是造型师、设计师,还是品牌创始人,都只是一种身份转变,但每种身份的背后,都是对自己对生活的感受、对美的认识、对人性的理解的再创作和集中呈现。设计是一门全球通用的语言,作为一种与世界、与人沟通的工具,卜柯文的每件作品都在讲故事、表达他所想。设计带来了进步和共荣,他不断推进自己的设计语言,这些来自对生活经验以及对美的别样感知,都被他激活,融入当下,并满足未来需求。



对于美,卜柯文有着自己的见解,他希望人们都能拥有自信、大方、勇敢的心态,这些美的意向也都表现在他的设计中。他把品牌定也位在活泼欢快、自信、大胆的女性群体中,这些特质在他看来是女性的精神面貌。这些一以贯之的品牌内核贯穿他的每个设计系列中,以2020年春夏系列的新女性主义群像说起,Cindy开场,辣目洋子闭幕,多元的女性美缔造了新的女性主义,品牌承载了对独立、明朗、活跃、多面女性的想象。



回看中国文化、中国元素被符号化的过去,设计语境很难与文化符号取得行之有效的结合。对于卜柯文来说,设计是解决需求,传递深层的文化感受。他也比别的设计师想得都要多,过往的采访中说起他对设计近乎严格的把控,他有自己对设计的坚守,“大部分网友看到明星在时装周上的造型,一定是通过图片进行传达的。”所以除了衣服现场要好看之外,拍出的照片能吸引人、打动人,也是设计要考量的重要因素。于是才有了这样的描述:”他非常在意平面效果在设计里的作用,会花一多半的时间研究哪种颜色和色调,能使服装在平面里更加凸显。“



古老面料、传统手工艺,结合摩登的细节与多元的设计语言,卜柯文的中国制造在打造风格性的同时将文化深植其中,如果今天再提起卜柯文,高定是他披荆斩棘的铠甲,而日常做衣服,才是他卸下铠甲的内心征程。



《罗博报告》对话 卜柯文

TALK


左:《罗博报告》RR

右:卜柯文 



如今中国元素风靡全球,你如何看待中国设计力量呢?

现在越来越多的留学生回国,也有很多本土的独立设计师出现,中国的设计能量一点一点地会被全世界看到。这些设计师中有的会运用到传统技艺做设计,有的会用到一些符号或者是其他元素来做设计。在我看来现在的整个设计环境是很多元的,有传统技艺在设计中发挥作用,也有现代工艺为我们实现设计想象等等。这是一个比较好的时代,多元的东西可以在一起碰撞、融合,大众对于这样的文化也有很强的包容性。




中国的设计师品牌如今在不断的被世界和市场认可,然后你的作品是从哪些方面体现中国的匠心制造的呢?

因为国外有疫情的关系,国内的时装周受到看极高的关注度。首先做设计和品牌都要有一个做好产品的心态,也就是说要把自己放在产品经理这个位置。我在做的是女性服装品牌,展现出生活中女性应该展现的生活方式和对美的坚持就是最核心的。生活中可以看到很多女生对美的追求,包括我身边有很多女孩子为了变美,也会做出多方面的努力。所以对坚持就是我想传递的中国匠心,无论是做服装设计、对面料的选择以及对品质的坚持,都要从开始贯穿到之后的每一次工作中。




中国有着诸多品质优秀的棉、丝、麻、绒、革等服装原材质,你是如何利用这些优秀的本土原料,从服装的本原和材质出发向人们展示中国服装文化魅力的?

我们会结合不同的服装方向,这里包括季节以及人们的穿着习惯。我们国家是一个物产非常丰富的,我们也是全世界很多奢侈品品牌的原料提供方,除了棉、丝、麻,羊毛也有占了很大的出口比重。对于这些原材料的运用,我们会根据设计方向,在国内找到最优质的原材来进行服装的创作。比如我们有优质新疆长绒棉,运用在服装中时它能带来极好的舒适度,也不会像短绒棉容易起毛;其次,它的时装感也会更强。在各个方面,原材料的选用都有很多专业的区分,看起来一样的款式,翻衣服成分表的时候也会看到同样是棉,但再看衣服的肌理时,你才能感觉到差别。所以说有了更优质的原材料,才能做出更好更不一样的产品。




相较于欧美时装市场,你认为现在国内的时装品牌有哪些的提升空间?

现在有想法的年轻设计师特别多,在国内做设计品牌要面临的是比较大生产的流水线去完成服装的制作,包括国内帮国外代工也已经是一个比较完整的生态线。这种流水线加工方式对产品起订量有着高要求,比如一个产品要做到上百件,才能满足这条流水线一天的工作需求。反观欧洲,精品、小型的生产线依旧存在,比如在巴黎,12件就可以投入生产。当小型生产线被应用的时候,越来越多的年轻人可以来实现自己的设计想法,因为生产线是每一个设计师都要去面临和解决的问题。现在慢慢的会好一些,很多国内的生产线会给设计师开绿灯,在面料的用量或者服装生产的起订量,但是做到像欧洲那么高灵活度的,还是蛮少。




中国的独立设计服装品牌,你觉得最应该看重的是哪一方面?

对于服装品牌来说,工艺、设计和材质都是最基础的,而品牌更应该体现的是一些精神层面的东西。换句话说,除了拥有好的品质之外,独立设计品牌更应该去传达我们这一代人对时装文化的理解。这样品牌的内核才能够一直传承下去,而不是仅仅表现为今天用了什么面料,或者是设计了什么款式。对工艺的传承固然重要,但是在我看来品牌更应该有精神层面的东西在。




中国有很多值得发掘的传统工艺,像少数民族的众多非物质文化工艺,这些传统工艺有没有为你提供一些灵感?

当然是有的,我们国家是一个多民族的国家,除了历史文化给我们带来的灵感,还有少数民族文化带来的启发。前段时间我去了新疆,看到很多地方特有的手工艺。对未来的设计设想,我觉得可以把这些民族文化跟现代的手法相结合,放到时装里,应该会是一个挺有趣的尝试。这种尝试可以是非商业性的,作为一个实验性的行为,但可以对未来的商业化转变提供比较好的思路。这样的尝试是我很喜欢的,此外,中国传统的刺绣我也比较喜欢,也希望它能够有一些更现代的表现手法和表达方式。




你在设计服装时有什么选料心得可以跟我们分享吗?

服装的面料首先它要具备有一定的舒适度,因为服装在具备了艺术品的属性之外,更多是服务于人本身,所以偏天然面料我会比较侧重去选择。当然现在也有很多高科技面料,虽然它不是天然的,但运用现代的分子技术,或一些生产线的革新、工艺的革新,从而使人造面料达到了天然纤维面料所没有的肌肤触感,这都是我们愿意去尝试新的表现手段。




你为针对的目标客户在服装的设计上有哪些特点,是凭借怎样的特质来吸引消费者的?

对我来说,其实多数时候是在做设计本身,设计是件很感性的事情,与其说让设计师去找消费者,倒不如说是让消费者来找你。当我们改进设计的时候,我们表达想表达的,它自然会吸引到一些可能对你感兴趣的人。只要把这些人去经营好,或者是跟他们分享了更多关于对设计、对美的想法和概念,在我看来这些人可能会一直会跟着你。我觉得对于设计这种比较感性的工作来讲,其实挺难的。但如果要将设计师品牌变成很理性的一个东西,它可能就会没有那么有趣了。




时尚在过去的几十年里一直在引导着人们的消费,现在我们越来越注重环保和实用主义,你认为未来中国时尚产业的发展前景会是什么样的?

我觉得中国的时装产业从来都是以实用主义为主导的,现在所提到的环保理念、时尚所引领的生活方式,都是我们在时装的实用主义之上所赋予的更高层次的意义。因为在我看来,服装的本质是实用主义至上的,时装品牌所带给我们的美的理念,可以让当代人对时装文化有进一步的理解,也带来了美的精神层面的享受。也让我们在追求物质文化的同时,能够感受到时装艺术的存在,我认为这就是一个美好的过程。




帽中有态度

隋宜达



从学习服饰设计到聚焦帽子这一时尚载体,隋宜达实现了所有的奇妙幻想。只因帽子的一个支点,让他拥有无限的设计空间和活力,正应验了他常说的那句“声明本应雀跃,不该死气沉沉”。



在中国,帽饰设计,即便是在遍地都是独立设计师品牌的现在,依然是一个小众分类,而讲究个性、造型千变的创意型帽饰,更是少有人涉足的冷门。冷门,意味着冒险,也意味着机遇。原本只想“做着玩”的隋宜达,最终用作品征服了市场。隋宜达SUIYIDA的作品偏向末世浪漫主义风格,18、19世纪的浪漫主义风潮的历史背景是风云动荡的资产阶级革命。这个时期的浪漫主义解放个性和心灵,浪漫主义者渴望摆脱学院派古典艺术的刻板僵化和过分简朴的理性。重拾人们对于色彩和情感的要求,身体走动时的氛围和美感也在服饰上得到了强烈的反映。



在隋宜达的作品中,我们能看到或是高科技的支持下,崭新的浪漫化面料的外观,或是通过历史中浪漫装饰的系统分析,抽取精华后,使简单成衣变得更为丰富的表现......作品的多层面、多角度的倾向,使他的设计从功能性、艺术性和审美性等方面体现出视觉创造的水准,侧面折射出各个时期不同地域人们的文化观念、审美观念和生活观念。也正是末世浪漫主义风格让他的作品充满了娇柔的女性化味道,自然的色彩运用、细腻的工艺、丰富多变的曲线、不对称、富有雕塑感的复式结构等元素诠释出21世纪人们对于服饰设计的向往。




《罗博报告》对话 隋宜达

TALK


左:《罗博报告》RR

右:隋宜达 



如今中国元素风靡全球,你如何看待中国设计力量?

有中国人的地方就有中国元素,中国元素的风靡不在于中国设计力量的大小,而是每一个中国人内心是否足够自信,是否足够认同自己的生活方式。




你认为着装与人之间的关系是什么样的?服装对于人来说意味着什么?

着装是人们内心的外在折射。它意味着遮体、身份区分、美化形体、愉悦自我等一系列的内外需求。如果将这个问题更加具象的话提问:“帽饰对人意味着什么?”,或许我认为帽饰首先是戴在头上的,之所以叫帽饰,是帽子和头饰组成,对于修饰面部轮廓起到重要作用。在整体造型上,也是起到决定风格的关键配饰,对于礼仪上来讲,也是很有讲究。




你曾带着很多极具“中国元素”的作品与合作方一同走上纽约时装周等世界舞台,你认为中国原创设计最应该传达的是什么?

忘掉“中国”二字,当不再强调国籍设计的时候,才是真的强大,设计本身没有国籍,只有好设计和平庸设计之分。




在帽子等配饰的材质选用上,你会有什么特殊的运用?

没什么特别偏好哪些材质,每一季材料都有不同,跟当季开发主题的感觉走。材料没有好坏之分,只是需要用到合适的地方而已。




你认为目前中国原创设计最缺乏的是什么?

“中国原创设计”本身就是一个伪命题,“设计”不存在“原创”一说,所有的设计都是为了解决问题而产生,都是在之前的“设计”之上而变化。当大家的注意点都在“中国”“原创”上的时候,就失去了“设计”的本质。不从本质思考而产生的“设计”,只能算是“外观再造”,这个有点美术功底的人都能做。难的是回归设计本身,从而思考出来一种新的解决问题的角度,引发一场社会思考,带动一种潮流的风向,这是我认为设计师应该关注的点。




中国有着诸多品质优秀的棉、丝、麻、绒、革等服装原材质,你是如何利用这些优秀的本土原料,从服饰的本原和材质出发,在一丝一缕之间向人们展示中国的文化魅力的?

材料本身就会说话,每种材料自带的气质属性是不同的。越要突出材料的质感,结构和装饰等设计手法越要推后弱化。对于原材料比较娇贵的材质,我更喜欢在织布之初就把设计加进去,融在材料纤维结构里。




时尚在过去几十年里一直引导着消费社会,现在我们越来越注重环保和实用主义,你认为未来中国时尚产业的发展前景如何?

这个问题太大了,我回答不了。我只能尽自己所能,向自认为正确的方向努力,踏实干眼前的工作。未来的事,谁也说不好。




你是如何通过服饰设计表现生活方式的?

每一季的主题都是我的个人经历,很多事情和元素只有我自己知道为什么要用到产品设计里。生活本来已经很无趣了,需要让自己在有限的工作范围内,找点属于自己的乐趣。用作品去记录自己人生不同阶段的经历吧,这是我做设计最初的目的。




唤醒中国设计文化DNA

王逢陈



当中国设计一次次走出国门,得到世界认可的同时,我们需要重新思考中国设计到底是什么,不应该仅仅是雕龙画凤、中国汉字等元素的简单堆砌。恰好王逢陈正带领她的品牌FENG CHEN WANG发掘中国设计骨子里的文化DNA。让中国传统元素与现代科技、未来感相融合,从而实现传承其独特的文化魅力与个性特征的意义,赋予全球时尚现代的内涵,正如以王逢陈为首的中国设计新势力正在以强有劲的势头让中国原创设计焕发新生。



2015年从英国皇家艺术学院男装设计专业毕业的她,便在纽约时装周的联合展台展示自己的创作,并同年创立自己的个人时装品牌FENG CHEN WANG。很快FENG CHEN WANG引起了欧美业界的广泛关注,对色彩的天马行空的搭配和对各类材质的运用,让她的设计彰显着年轻、潮流、时尚的元素视觉体验。王逢陈的服装蛇酒专注于技术解构,创造拥有机能性与概念性的unisex装备,在2021春夏系列中以「致敬」为主题,致敬时光与自然。不规则面料拼接层叠,像是任天堂游戏画面中的每一处数码像素,“相互凝集,合二为一”。



在FENG CHEN WANG 2021春夏系列中设计师王逢陈采用大面积的柔和色调,糅合独特的设计语言,将追溯过往的意识状态娓娓道来。意将古老与现代、自然与合成结合,也寓意着将我们的过去、现在和未来相互凝集在一起。 该系列深受大自然启发,海天之色的冰洋蓝、苍翠欲滴的龙舌兰绿以及戈壁旷野的砂岩褐,在该系列中影倬可见。她继续探索中国文化,以极具中国韵味的传统书法,书写着全新FENG CHEN WANG标志。



经典的牛仔布料,以别致的扎染处理方式,呈现出经时光洗礼的自然纹理;普通的棉和尼龙等寻常织物,则被巧妙地捻接在一起。标志性的3D立体剪裁,别致的解构双层领与错位袖口,不规则的面料拼接与层叠,以及巧妙的暗扣艺术,每一处细节无不在呼应着“相互凝集,合二为一”的社群联结概念。重塑经典,让解构风衣焕然一新,采用新颖轻薄的纱制面料,打造多层次感透明夹克。更通过艺术印花的形式勾勒相互紧握的双手,以此诠释人与人之间不可或缺的紧密联结。




《罗博报告》对话 王逢陈

TALK


左:《罗博报告》RR

右:王逢陈 



作为原创设计师来说,你所理解的“国潮”是什么?

我觉得Feng Chen Wang是带有国潮特色的设计师品牌。我们作为开拓者,在全球发布的“Made In China”系列,对国潮起到了引领作用。我认为国潮不能仅仅停留在字面意义上。Feng Chen Wang在技术和设计元素上不断创新从而达到新突破,像“Made In China”系列中的蓝印花布,中医药植物染,还有我们非常有中国传统元素的小竹包,和最新系列里的水墨国画元素,都传递了我对国潮更深刻的理解和看法。




你如何看待可持续时尚并是如何推行它的?

我认为比起把可持续时尚当作一种推广的理由,更要把它当作一件需要一直努力去做的事情。Feng Chen Wang其实一直在做和可持续发展有关的事情。像我们之前的“Remake”系列,环保植物染系列,以及和本土传统手工艺人合作系列,这些都不是刻意而为,而是我们衷心喜欢且在设计初期就一直在做的。我们把可持续发展理念贯穿到我们整个生产过程,并也获得了消费者们的认可。




你为针对的目标客户在服装的设计上有哪些特点,是凭借怎样的特质来吸引消费者的?

我们并不存在特定的目标消费群体。在我看来我们打破了很多传统服装理念,比如对目标客群的限定。在上学接受采访时我就说过,我的目标客群没有年龄、性别、和国籍的界限。在大家都还没有这种理念时,我就提出过质疑,为什么要为客户贴上标签。虽然Feng Chen Wang以男装为主,但是我们拥有多元化的消费者。我们凭借与消费者在精神文化上产生的共鸣,如我们提倡的理念和塑造的社群来吸引他们。




在服装及配饰材质的选用上,你会有什么特殊的运用?

作为一个open minded的设计师,我没有在材质上设定特殊的运用,每一季服装的材质都会不大一样。但也会有一些天然的代表性的材质,像棉、wool也会有运用到更运动风格的材质,如尼龙。但每一季会根据主题,运用不同的特殊工艺。像这次的小竹包就运用了原始材质,在环保理念和配饰材质上做出了创新和突破。




你现有的品牌是如何做到设计与舒适均衡的?

首先我会考虑到设计出来的衣服我自己会不会穿,并且会经过多次的试穿测试,思考如何优化设计和提升舒适度。与此同时,我在做设计时,会考虑到人们在不同生活场景下的状态,并根据特定的场景,运用高级男装、拆解结构和多功能设计这些不同的工艺。通过这些工艺的结合来兼顾单品的舒服度和时尚感。




中国设计师品牌如今在不断被市场与权威认可,你的作品是从哪些方面体现中国的“匠心”质造的?

在我们设计和生产过程中很多东西都是原创开发的。工作室会开发不同的创新版型,并在模特人台上进行多次实验和调整。我们的系列凝聚了团队每一个人的心血和付出。我们在蓝印花,植物染,和手工竹包系列中和不同的传统手工艺人合作,展现属于Feng Chen Wang的“匠心精神”。




相较于欧美时装市场,你认为国内时装品牌在设计和品质上还有哪些提升的空间?

我认为要更尊重原创设计。随着设计意识的提升,鼓励更多的人做原创设计。并且要减少大众市场中“跟风”现象,做出具有自己特色的作品。用品质取胜,减少爆款和量产,从而引导消费者去追求“少而精”的东西。




中国的独立设计服装品牌最应该看重哪方面?

首先要找到属于自己的品牌DNA以及设计风格,并持续不断地创新。很多中国的设计师品牌都处在创业的过程,要兼顾设计和商业的平衡,从而达到长久的发展。




如何真实地向世界时尚行业

发出当代中国的声音?

成为了这批在多元文化中

成长的年轻设计师们努力的方向。

而中国时尚的新时代,已然来临。



文 / Nothing、蜉蝣、

李蒙、太一、HMY

图 / 品牌提供

编辑 / 张紫薇

新媒体执行 / CARL、MENG

责编 / LENNY





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