里森画廊带来众多代理艺术家作品，如中国艺术家喻红的《判断》，这件作品首次亮相于她2016年的中央美术学院美术馆个展“游园惊梦”。喻红将猴子和猪两种动物描绘于同一画面，营造出表面上既幽默又荒诞的景象。

安尼施·卡普尔的不锈钢雕塑《扭转结构》(Bridge Twist，2016)以扭转的形态和高度抛光的表面为主要特征，这种结构令经反射所呈现的图像变得扭曲且不稳定，包括参观者的身影。

卓纳画廊呈现马塞尔·扎马（Marcel Dzama）的全新画作，他的作品展现了一个充满童年幻想和异世界寓言的精彩宇宙，此外还有拉乌尔·德·凯泽（Raoul De Keyser）微妙而传神的绘画，以及阿尔·泰勒（Al Taylor）探索绘画与雕塑间美学张力的抽象作品。

拉乌尔·德·凯泽的绘画色彩内敛、构图简约、笔触涂层变化丰富，画作中的色块线条仿佛是随意抽象的，但都基于非常具体的个人体验，既是艺术家本人心境的投射，亦反映了他终其一生探究的周遭风景和生活空间。在绘画发展滞缓的二十世纪八九十年代，他为不少同代人与后来者打开了绘画新的方向。

蓝岸画廊呈现马树青、胡里奥·朗多（Julio Rondo）、马丁·韦默尔（Martin Wehmer）、鲍蓓、韦佳、吴海洲、迟群等艺术家的作品。借由以苏艺、列思（Lyes HAMMADOUCHE）、大卫·莱恩（David Andrew Lane）、杨昊、李森等新锐艺术家的代表性作品和公众探讨“如何定义艺术的未来性”这一话题：由来自不同思维和教育背景的艺术家们，以基于多元化语境创作的超媒体作品给出极具个人性的回答。同时呈现鲍蓓、韦佳、吴海洲、迟群、邵巍等艺术家的研究型创作。

李森从中国画专业毕业，本硕博均毕业于中央美术学院，传统于其更多成为某种底色，他并不执着于既有界限，而是希望以更自由的方式回应当下问题。

法国艺术家列思（Lyes Hammadouche）通过对“意识”与“技术”两者的研究和结合，呈现出他所探寻的“东西方当代文化之间的中间道路”，用技术创造出影响“意识”的作品。现场展出的媒体装置作品是他尝试带领观者进入“意识”的工具，齿轮装置和其他机械部件的精良设计，将沙体在流动过程中的变化以可见的方式呈现，给观者带来一种“催眠”的感受。

蜂巢当代艺术中心带来王文婷、娜蒂莎·琼斯、孔千、钱佳华、谭永勍等艺术家的作品。孔千创作于1997年的素描作品《井》呈现出一个复杂世界的神秘与人作为本体的坚守。孔千的创作脉络中，素描是一条重要的线索。在20世纪80年代后期，他着重表现对于生命意识的体察，进一步通过对具象形象的主观性变形，着力塑造对象的精神状态，带来一种陌生化、异样化的观感。

来自上海的眼镜蛇画廊以独特的设计家具和艺术品亮相，展位上瓦妮莎·芭拉高（Vanessa Barragão）的作品《欧罗巴山》引人注目，艺术家使用多种纤维材料和传统手工技法，创造了一片意趣绵长的自然景观：溪流蜿蜒清澈，植被曳动繁盛，虽未发声响，却充耳清越。在芭拉高打造的纤维花园中，小径伴随河道行进，溪水围绕岸汀起舞。在这里，四季被定格，空间也被打破了界限。

完成这件将近5米长的作品需要足够的耐心及奉献精神，从最初的手稿到整件作品的完成耗费了艺术家及其团队数月的时间。在创作过程中，作品也在跟随艺术家的感受而改变，这是一个充满未知的过程，而这也正是芭拉高作品的迷人之处。

香格纳画廊带来何伟、闫冰、徐震^®、梁绍基、杨福东等艺术家的作品。展位外墙上，何伟的新作《No.269》延续了近两年充满流动性的视觉表达，并逐步释放出更多感性的力量。这些如水彩般轻盈的画面，源自何伟对自然日常事物原始且真切的感受，艺术家将这些停留于心间的美好印象，通过微妙的颜色、形状和构图，重新演绎于画布之上。

公共项目单元呈现3件大型装置作品。常青画廊带来托比亚斯·雷贝格（TOBIAS REHBERGER）持续30年之久的“肖像花瓶”系列作品《没有孩子的母亲》。作品灵感来自托比亚斯在中国旅行时看到许多巨型的青花瓷花瓶，作品名称和外形共同指向一个悖论：“它们不是为了这个目的而被制作出来的，尽管它们确实能够发挥同样的功效”。

太和艺术空间带来艺术家李鸿韦的不锈钢和陶瓷碎片雕塑装置《嵩高》,似矗立在沙漠中的巨型仙人掌，零散的结晶釉瓷片与冰冷的不锈钢材料，破碎与完整，共生共存，又对立依赖。

白洞画廊带来跨界艺术家曹雅薇的“九鼎”系列，艺术家将自己对紫色的理解用大自然中的取材赋型，将自我的精神世界投射到极具想象力的作品中，创造了乌托邦式的“紫色星球”，壮观又细腻。