波点背后，是草间弥生留给世界的爱
“我的艺术是关于爱人、爱世界、爱艺术，
以及对所有事物的爱，包括死亡旅程。”
My art is about loving people, loving the world, loving art,
love for all things, and the journey toward death.
8月27日
草间弥生美术馆与草间弥生基金会
正式发布讣告
这位被世人称为“波点女王”的艺术家
在跨越七十余年的创作生涯后
终于放下了画笔
草间弥生将毕生全身心投入艺术创作的非凡生涯中。讣告中写道：“直至生命最后时日，她仍在作画，从未放下画笔，始终坚守着‘爱能拯救世界’的毕生信念。”正如其美术馆所言，他们将继承草间弥生的遗愿，“通过艺术继续为全世界的人们带去面向未来的希望与力量”。
草间弥生的艺术以前所未有的热度持续震撼和影响着世界。在德国科隆，路德维希博物馆(Museum Ludwig in Cologne, Germany)于8月2日落下帷幕的草间弥生大型回顾展，吸引了超过48万名观众，创下该馆历史参观纪录；在东京，草间弥生美术馆正在举办的“KUSAMA‘s POP”展览将按计划持续开放至8月30日。 5楼屋顶画廊的大型雕塑《明日咲く花》(Flowers That Bloom Tomorrow)仍以鲜艳色彩诉说着她的“波普”宣言。草间弥生曾说：“爱能拯救世界。”她一生都在用圆点、南瓜和无限镜屋证明这句话。
住在精神病院的艺术家 将幻象变为艺术
严格来说草间弥生并不属于“草根”艺术家，她是实打实的名门之后。 1929年，草间弥生出生在日本长野县松本市，她是家中唯一的女孩。虽是当地的名门望族，草间弥生的童年生活却说不上快乐。父母仿佛永远在争吵，并且反对她搞艺术创作，甚至只要看到她在作画，母亲就会当场没收。
十岁那年，草间弥生感到自己经常会在独处时产生幻觉，“我原以为只有人类才会说话，所以我很惊讶紫罗兰竟然说话了。我吓坏了，腿开始发抖”。她把这些幻觉称为去人格化。
草间弥生在1945年创作的铅笔速写
这种旁人无法理解的幻觉，让年少的草间弥生感到恐慌，糟糕的家庭关系令她无从排解倾诉，渐渐开始将画画作为理解幻觉的一种方式。
《Flower Spirit》 草间弥生1948年作品
桌布上的花会包围住她，把她赶到楼上；天空中会突然迸发出耀眼的光芒······“每当发生这样的事情，我就会赶回家，把我看到的东西画在速写本上······记录下来有助于减轻对这些情节的震惊和恐惧。” 许多她标志性的图案，就是根植于这种练习。艺术创作对于草间弥生来说既是克服恐惧的过程，也是从幻想症中实现自我救赎。
19岁时，草间弥生不顾家人的反对，前往京都工艺美术学校学习艺术。求学期间，她偶然受到了美国艺术家Georgia O'Keeffe的触动 ，于是1958年，29岁的草间弥生带着几百美元和60多件和服闯荡纽约。
Georgia O’Keeffe写给草间弥生的书信
整个20世纪60年代，草间弥生以一系列行为艺术式的展现和挑战传统伦理的软雕塑创作在纽约艺术圈声名鹊起，不过当时对她本人及行为的讨论远大于对其作品的关注。
《Accumulation No.1》 草间弥生 1962年作品 《Untitled Accumulation》 草间弥生 1963年作品 《水仙花园》 草间弥生1966年作品
随着20世纪70年代对60年代过度消费的反弹开始，草间弥生成了纽约的弃儿。1973年，心力交瘁的草间弥生离开美国回到日本。回到日本不久后，青少年时期的幻觉和惊恐卷土重来。 1977年3月，她自愿住进了精神病院。对一些艺术家来说，这可能是事情的结束，但对草间弥生来说，这代表了一个新的开始。她买下了精神疗养院旁的一栋五层楼作为自己的工作室，白天在画室绘画，晚上回到疗养院写书。从20世纪70年代开始，她在20年中陆续完成了20多本著作。
或许是传奇的归隐经历让这位艺术家蒙上了神秘色彩，同时伴随着20世纪80年代末西方思潮的变迁，草间弥生再度受到西方艺术界的追捧。 1993年威尼斯双年展上，草间弥生成为日本官方邀请的艺术家代表，在展览中布置了一间填满南瓜的屋子。而在之后的20年里，南瓜几乎成为草间弥生的代表元素。
从20世纪90年代开始，草间弥生的作品商业价值一路攀升，2004年到2014的十年间，她的作品在市场上总拍卖价值从93万多美元增长到了3545万美元。
波点构筑世界 于重复中消融自我
第一眼看到草间弥生的作品，铺天盖地的波点令很多人产生视觉不适，她也因此被称为“密恐”天敌。其实要“看懂”这些天价圆点并不难，只需要记住三个关键词：波点、重复和消融。
波点
往万物上覆盖波点，是草间弥生标志性的创作手法，也是她被称为“波点女王”的原因。这是因为她从十岁起就患上严重的神经性视觉障碍与精神分裂症，她眼中的世界会突然变得扭曲，随即涌现密密麻麻的圆点和花纹，遮盖在眼前。
草间弥生曾出过一本插画版的《爱丽丝梦游仙境》，书中的配图是各种由圆点组成的物品，而这版插画也被认为是最符合“爱丽丝世界”的一版。
她最贵的雕塑作品《维纳斯——被无限网所抹杀的维纳斯雕像》，也是将密集的圆点覆盖在我们熟悉的断臂维纳斯雕像上。
草间弥生这么形容过自己的理念：“宇宙有无穷无尽的圆点。星星是圆点，我们都是圆点。你是一个点，我也是一个点。” 因此圆点对于草间弥生来说不仅是幻觉，也是一种最基础的哲学意象。
重复
2017年，草间弥生的作品《无限之网》以1389万元人民币被拍出，它们近看是一个个点，远看则能显现出圆点组成的新的局部。
《Infinity Nets 1959》 草间弥生
而《无限之网》系列也是草间弥生的经典之作，这些不断重复着圆点的作品包含着静态的律动感。这也折射出草间弥生另一个重要的创作手法：重复。
除了重复使用圆点外，她的其他画作也保持着一样的风格，用重复的元素表达世界。
不断地重复实际上会带来一种循环的错觉，就像衔尾蛇，既是开始也是结束，既分解了世界又统一了世界，既是无限也是归零。
消融
早在1965年，草间弥生就做出了《无限镜屋》系列的第一个装置展出，利用大面镜无限放大延伸空间，缀以许多小灯泡或小圆点，创作出奇幻的装置。
草间弥生在纽约画廊中展出的《无限镜屋》装置 1965年 《无限镜屋之永恒的爱》 草间弥生1966年
几十年来《无限镜屋》系列不断地更新，每件作品都有新的亮点和寓意。
《无限镜屋之永恒消失的结果》 草间弥生2009年 《无限镜屋之百万光年外的灵魂》 草间弥生2013年
随着社交媒体的兴起，《无限镜屋》系列成为各式展览的热门打卡装置，发光的LED灯、丙烯波点南瓜、飘浮的球体，在镜面的空间中形成一个个身临其境的万花筒，无数人在这里留下自拍，甚至有些明星会以《无限镜屋》为拍摄场景。
Adele以《无限镜屋》为演出背景
许多人只是忙着拍照，却不清楚草间弥生创作《无限镜屋》的理念。它实际上体现了草间弥生一贯的创作哲学——自我消融。
《无限镜屋之悲伤的吊灯》 草间弥生2016年
在无限重复与延伸的环境里，人类仅仅是小小一点，融入其中。《无限镜屋》的参观时长曾被设定为45秒以内，草间弥生希望参展者把精神集中于自己，切身体会在仿若无限的空间中“消融”的意义。
除了上面说到的这三个关键词，进入20世纪90年代后，草间弥生还以南瓜和花为主题，创作出更多户外雕塑作品。从日本的福冈美术馆到洛杉矶比弗利山庄，在不少地标性建筑前都能看到草间弥生雕塑作品的影子，进一步扩大了她的知名度和影响力。
日本濑户内海·直岛海岸的南瓜雕像 法国巴黎·旺多姆广场上的南瓜雕像 美国洛杉矶·比弗利山庄的郁金香雕像 2022卡塔尔世界杯， 草间弥生雕塑作品作为公共艺术作品展出
透过波点、南瓜与无限消融的艺术语言，草间弥生在当代艺术史中留下了不可替代的位置。很多人熟知她，也源于和LV的重磅跨界合作，这也很容易让人将她简单定义为艺术跨界的成功范本。
但事实上，时尚并非晚年商业合作才赋予她的身份。早在20世纪60年代的纽约，她就将服装、身体表演视作艺术表达的一部分，把时装化为自身创作的延伸。这份与时尚的联结，自始至终都扎根于她完整的艺术体系之内。
2006年，时任LV女装创意总监Marc Jacobs 就拜访了草间弥生(Yayoi Kusama)的工作室
漫长的创作生涯已然落幕，但草间弥生留下的艺术精神不会随之消散。她用一生的创作拓宽了艺术表达的边界，这份力量也将持续影响后来者，留给世人长久的启迪与精神滋养。
出品人：邢丽 监制：Linan 内容策划：孙洁、Lenny 撰文：Eva、Jessie 新媒体视觉：Eleven 新媒体执行：Sara 图片来源：品牌、 部分网络（版权归作者所有）
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