在乌镇，白天和晚上有不同的魅力。白天小镇的露天广场成为舞台，即兴喜剧、实验短剧、杂耍魔术等表演形式轮番上演，户外演员踩着高跷走在石板路上，来往的游人随意坐在桥边、石阶、摇橹船上，目之所及，尽显热闹。到了傍晚，河边错落的房屋亮起灯光，观众走进夜幕中的剧院，戏剧表演的大幕也依次拉开了。

为期十一天的乌镇戏剧节汇集戏剧和多元的表演形式，无论场内或场外、台上或台下，演员和观众的距离似乎被打破，来到这里的人自然而然成为“嘉年华”的参与者。当小镇成为一个充满想象力和创造力的场所，戏剧和艺术的碰撞也自然而然地发生。

戏剧演员们站在舞台上，通过肢体动作和表情声音传达故事，诠释关于生命本质的奥义。抽象的命题面对的是每一位具体的人，近距离的感受带来的是平等的交流和对话，以及在感官被充分激发的场域下建立真实的连接，这本身构成了一件独一无二的、具有生命力的作品。

开幕大戏《H-100秒到午夜》由被誉为“世界实验戏剧领军人物”的美国戏剧大师罗伯特·威尔逊携德国汉堡塔利亚剧院带来，以天才物理学家霍金的科学研究和黎巴嫩艺术家伊黛尔·阿德楠的诗歌为灵感，探讨空间、宇宙与星空，以及人类的渺小与伟大。

孟京辉执导的《一个女人一生中的24小时》以独角戏形式，带领观众深入一个女人复杂混沌的情感世界。

《布拉斯·库巴斯死后的回忆》改编自巴西作家马查多·德·阿西斯的同名著作，是巴西导演保罗·马瑞尔斯及其著名的仓库剧团于今年8月首演的最新作品。这是一次由逝者讲述的、非线性叙事的奇幻之旅，剧团设计了叙事线、事实线、解构线，三条线索相互交织、彼此对话。

剧场之外，青年演员在户外场地穿着戏服，借助简易的设备进行表演，只要演出开始，路过的人就自觉地停下脚步，人群聚在一起围成圈，当表演结束，现场又响起经久不息的掌声和欢呼。这样的时刻随处都在发生，这时候，演员们的露天表演是否仍与戏剧相关已经不再重要，重要的是这种人与人之间传递的生命力已经在不断生长和延续。

从乌镇戏剧节发布的数据来看也许更为直观，本届乌镇戏剧节包括12个剧场、来自全球11个国家和地区的28部特邀剧目、87场演出；蚌湾剧场内呈现了18组青赛队伍，84位竞演青年带来了60场演出；西栅的30多处公共空间带来120组表演团体、800余位演员、2000余场古镇嘉年华演出；12场小镇对话、12个戏剧工作坊、27场朗读会；6大展览，以及音乐、潮玩、电影、市集······乌镇的街头巷尾随处可见人间烟火气，戏剧创作与艺术表达碰撞，当一个地区的文化效应能够辐射至每一位到来的人，艺术与生活的界限也被打破，这恰恰是一个个艺术时刻的发生。

此外，乌镇戏剧节的发生不仅在于现场多感官的体验，也在网络上形成强大的影响力，更大范围的传播让人们得以借戏剧之机，看到一个更丰富生动的乌镇。每年一度举办的世界互联网大会体现着现在科技与万物互联的未来图景，而乌镇戏剧节则为小镇赋予了独特的文化艺术气息。经过十余年的成长和蜕变，乌镇从一个传统的江南水乡延展为文化与科技碰撞交融，由充满创造力的具体的人和事构成的精神家园。

以此为契机，我们与参与其中的不同嘉宾讨论了参与的感受，以及他们从不同领域延伸出观看和思考乌镇戏剧节的视角。

今年是第十届乌镇戏剧节，我们从第三届开始负责乌镇戏剧节的平面视觉宣传工作，包括所有的主视觉、宣传海报等方面的事情。今年乌镇戏剧节以“起”为主题，主视觉海报运用了陈丹青写的书法作品，我们在书法字形的基础上做了延展，转化为一种山水的感觉。其实乌镇戏剧节的内容除了核心的演出剧目，还有小镇对话、工作坊、朗读会、公共表演等，整体氛围像一个大家都可以参与的嘉年华。我们的工作坊叫做“戏剧面对新科技革命的四个选项——代替你，成为你，融入你，延展你”。工作坊的课题偏科技和未来的方向，关注当下的议题，真实和虚拟的边界越来越模糊，我们能否找到融合的方式面对虚拟和现实，也可能是一个新的探索维度。一些年轻的观众或业内人士还提出特别专业的问题，很多院校都成立了跨学科的艺术专业，可能这是一个未来的方向。

尤其是近两年的科技发展和技术变革，都会对这些现有的艺术创作产生冲击。工作坊会针对科技革命的话题交流很多案例，还有体验式的互动，如输入一些关键词可以生成自己的海报等。

乌镇戏剧节的文化品牌效应特别强，第一个周末的参观人数已经超过了十一假期，因为戏剧节的观众不仅是游客，更多的是艺术爱好者和文艺爱好者。这里有很多剧院，而且设施的完善程度比较高。开幕大戏《H-100秒到午夜》的导演罗伯特·威尔逊说过一句话——我们工作的原因是what is it，而不是what it is。这就是戏剧的魅力，可以让人不断去思考，而不是给任何附加的确定性回答。

戏剧讲的问题比较深刻，表达的方式与其他载体还是不一样的，有些是用很多视觉元素引发人生的思考。泡泡玛特一直在做潮流和艺术结合，那些也许有人想到，但是又不知道怎么去表达的观念，当代的设计师/艺术家能够帮助人们用好的创意来表达，我们其实是希望做一个平台去帮助设计师/艺术家被更多的人看到。

在乌镇戏剧节呈现的潮玩是用传统的戏剧元素和space Moly结合而产生的，“HELLO乌镇潮流艺术展”展览里还呈现了日本的艺术家大久保的作品。艺术也好，潮流也好，都是一种表达，我们常说很多消费行为是一种满足——表达我是谁、我的生活方式、我的喜好和审美。

潮流艺术有很多接近于消费品的表达方式，更多的是和一些潮流类的服饰、玩具、鞋子等产品结合，消费品的人群毕竟更广泛。而艺术更多地提供精神上的指引，我们一直做的就是在艺术和商业之间取得一个平衡，其实是一种理性和感性之间的平衡。

我很早就开始画画，后来在纽约读书，学服装设计，不过一直接触艺术，也会看拍卖行和画廊的展览，自然而然地开始画画了。我的第一个创作系列是《豹变》，取自《周易》里的“君子豹变”，强调一个人蜕变的过程，比如从一个领域跨到新的领域，我觉得和自身的经历比较吻合。

我的作品中有很多中性色，创作时直接用颜料在画布上调配，没有打稿，但是大致会有一个画面效果的构思，新的主题也还在创作中。我很喜欢戏剧、电影、音乐等和艺术相关的一切，所以也希望自己的作品不只是在传统的美术馆、画廊里呈现，可以在丰富的多元的场景中融入。创作上，我目前还处在摸索的阶段，也在寻找自己的符号和语言系统，希望打造自己的个人品牌，把时尚和艺术作品相结合。

我在乌镇感觉特别自由，好像可以做真实的自己，虽然很多人都不认识，但大家都很热情，逛市集的氛围就好像一下子回到童年，没有那么多的束缚感，长期生活在城市里很少有这样的生活气息。这种自由对于一个人来说太重要了，对于创作者来说更加重要。

我看到很多青年演员，他们在戏剧里面展现出的状态和张力特别让我感动。我也挺希望尝试一下话剧，不过对舞台一直有敬畏之心。

舞台上的表演需要全方位调动身体，传递着某种信息，需要时间的磨炼。现在年轻人的想象力很丰富，他们对于生命有很多的思考，这对我来说还挺有触动的。戏剧和绘画都是表达的方式，戏剧是通过演员的表演立体化地呈现在舞台上，而欣赏静态的艺术作品可以给观众带来更多的想象空间。